Expositions du moment

Les artistes exposés

Peinture
Cécile Filipe

CECILE FILIPE est née à Lisbonne. Elle s'installe à Paris avec ses parents, à l'âge de 9 ans, après la fin de la dictature de Salazar au Portugal. Déconnectée de sa terre natale, de ses amis et de sa langue maternelle, elle a trouvé refuge dans le dessin. Cécile Filipe a étudié l'architecture d’intérieur à l'école Camondo et a obtenu son diplôme en 1991, mais elle a continué à développer sa pratique en atelier parallèlement à une carrière réussie en architecture.

Ses peintures sont à la fois expressives et très structurées, des noirs profonds contrastent avec des rouges, jaunes et bleus qui révèlent l'influence de sa formation architecturale et une nostalgie de la ville de son enfance. Dans la plupart de ses œuvres, de larges coups de pinceau très gestuels avec des traces linéaire, apportant stabilité , équilibre et tension. Cette dualité de la poésie et de la forme, en constante évolution entre impression et définition, force et fragilité.

Cécile Filipe considère la peinture comme une nécessité et travaille intuitivement en utilisant la peinture acrylique, des pigments purs, des encres, de l'aquarelle et des collages. "La peinture me permet d'expulser mes émotions, c'est aussi une recherche intérieure et esthétique constante de la lumière, de la profondeur et de l'équilibre. « Je veux peindre ce que l'on ne voit pas : le souffle, le vent, le mouvement, la lumière, l’équilibre."

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Céramique
Michel Lacroix

Michel LACROIX

« Je suis un jeune céramiste de 64 ans, de fait autodidacte, qui depuis 2018 produit des pièces en grès, généralement émaillées.

Je vis et travaille à La Rochelle en Charente-Maritime.

Chaque œuvre présentée est composée d’une ou plusieurs unités en céramique ET d’un bref texte qui l’accompagne. Si la matière la plus visible et la plus lourde est bien l’argile, l’œuvre est bien ce tout, indissociable.

J’ai rarement une intention précise en démarrant un travail, tout au plus une idée de taille, de volume. Chaque geste amène le suivant, piloté par la fluidité de la terre, mes limites techniques, l’intuition de l’instant… Improvisation à 100%.

Contre trop de régularité ou contre la forme attendue, je recherche le contrepied, le déséquilibre, le décalage qui emmène ailleurs. Mais où ? Je ne le sais pas en le faisant, mais je le découvrirai peut-être plus tard.

J’interroge alors chaque pièce, a posteriori donc, et je lui demande ce qu’elle a à me dire. Et là, chacune me raconte une histoire personnelle, venant d’on ne sait où, et il faut bien le dire, souvent, n’allant nulle part, mais ouverte sur le monde, sur l’instant, sur l’éternité, sur le néant, sur le quotidien ou sur le bout de son nez.

Par respect, tout est soigneusement consigné et transcrit pour ensuite accompagner l’objet et certainement constituer une part significative de l’œuvre. »

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Verre
AnuschB

Anusch a grandi en Afrique au Gabon puis en Côte d’Ivoire principalement. Elle vit aujourd'hui près de Bruxelles en Belgique mais ses racines restent Africaines.

Après des études d'Ingénieur commercial et une carrière orientée ventes et communication, elle a décidé de se consacrer entièrement au verre et à la création.

Sa passion pour les perles a commencé il y plus de 20ans avec les perles trouvées sur les marchés africains. La perle l’a amenée au travail du verre dans ses différentes techniques à chaud et à froid.

Le verre, medium aux possibilités d’expressions infinies. Il offre la transparence et l’opacité, la plasticité et la dureté, la douceur et la rugosité …

Anusch travaille principalement la pièce unique que ce soit dans le bijou, ses sculptures, peintures ou objets usuels.

"Mon travail s’articule souvent autour de la répétition. Il trouve son énergie et son unicité dans mon histoire personnelle."

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Céramique
Almerinda Gillet

Almerinda vit et travaille à Pavillon sur bois.

Photographe de métier, Almerinda commence sa carrière en laboratoire photographique et se réalise par le tirage Noir et Blanc prestige. Puis, elle associe à sa technique de tirages, la prise de vue reportage et la photographie studio. Avec Alain Gillet, elle monte en 1991 l’agence d’Un Autre Oeil. Sensible au travail des mains, elle s’initie en 2016 au travail de la terre. Elle continue la photographie et associe ce nouveau medium qu’est la céramique a sa démarche artistique.

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Peinture
Sylvie Garibaldi

Pour Sylvie l'inspiration pour la peinture a commencé très tôt, dès la maternelle. Admirative du don de son grand-père pour le dessin, elle passait des heures à regarder son travail avec amour. Dès qu’elle a pu s'inscrire dans les ateliers des Beaux Arts, Sylvie a commencé à se réaliser et à vivre sa passion pleinement.

Pénétrer l'univers de Sylvie Garibaldi, c'est s'abandonner à une rêverie colorée pleine de promesses... Peinture abstraite flirtant avec un figuratif suggéré, l'oeuvre de l'artiste peintre a su se défaire d'une apparence classique pour se métamorphoser en une expression pleine de sensibilité...

Pour Sylvie, peindre c'est "s'évader, partager...". Elle nous emporte dans un jaillissement de couleurs et de mouvements pour nous faire partager sa passion ! Sylvie est une créatrice à l'écoute de "l'autre" qui n'a de cesse d'instaurer un dialogue passionné entre son "moi" et le public. Puissante et exigeante, la peinture de Sylvie colle au plus près d'une réalité transfigurée par son regard ... C'est l'émotion signifiée...

« La peinture me donne un sentiment de liberté, d'émotion, d'évasion et me procure un immense plaisir personnel. Ce qui me touche le plus c'est surtout le regard des autres devant mes toiles, chacun accueille le tableau en fonction de sa sensibilité et laisse libre cours à son imagination. Ces moments sont pour moi uniques et magnifiques. »

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Peinture
Marianne Goffard

Marianne a toujours évolué dans un monde artistique. Soutenues par ses parents antiquaires, elle poursuit des études d’Histoire de l’art puis travaille pour plusieurs musées bruxellois, dans différentes galeries et a accès à de magnifiques collections privées en travaillant pour une compagnie d’assurance en oeuvres d’art.

Autodidacte, elle rentre dans un atelier d’artistes à Genappe. Peu à peu la confiance s’installe et avec elle les propositions d’expositions en Belgique, à Marbella et à Madrid.

Les maîtres contemporains tels que Klimt (l’or), Pollock (le geste), Rothko (la couleur), Richter (la matière) influencent ses couleurs scintillantes et sa matière toute en texture.

Thérapeute de son propre équilibre, Marianne tente de contrôler l’incontrôlable et travaille tout en douceur et avec spontanéité la couleur et l’or. C’est une véritable invitation au voyage à travers ses émotions qui trouvent tout naturellement leur écho en nous!

Refusant de se cantonner dans un seul style, elle explore sans cesse de nouvelles techniques comme le reflètent ses différentes séries : So Dripp, So Color, So Moon et dernièrement So Round (technique mixte, encre et résine) tout en brillance et transparence.

Par leur sensibilité, ses oeuvres colorées font vibrer les murs d’une énergie positive indissociable de sa personnalité pétillante.

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Jacques Bodin

Jacques Bodin, peintre, vit et travaille à Levallois Perret, France

C' est un des principaux représentant du courant hyperréaliste européen.

Ses peintures sont réalisées à partir de ses propres photographies qui sont retravaillées avec des outils numériques puis projetées sur la toile à l'aide d'un vidéoprojecteur.

La réalisation des grands formats nécessite ensuite plusieurs mois de travail.

Il explore quelques thèmes de prédilection tels que l'herbe, les fruits, les cheveux, les natures mortes ou la végétation traités avec un véritable souci du détail.

Les sujets sont la plupart du temps traités en gros plans, sous un éclairage indirect.

A la frontière du minimalisme certaines de ses oeuvres témoignent d'un aspect conceptuel de l'hyperréalité.

L'apparente frontalité hyperréaliste des premiers plans est mise en regard avec l'aspect diffus des arrières plans dans lesquels on distingue des lignes de fuite qui viennent casser l'ordonnancement graphique de la toile.

Un hyperréalisme à double foyer en quelque sorte.

Le premier regard s'attache à l'aspect méticuleux de la réalisation tandis que l'oeil se perd au travers de ce qu'on croit discerner comme étant une porte, une ouverture, une forme abstraite.

Il a participé à de nombreuses expositions tant personnelles que collectives en France ainsi qu'à l'étranger et son travail est reproduit dans de nombreux ouvrages.

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Céramique
Charles Hair

Né en 1955 en Géorgie, U.S.A., de père américain et de mère française.

Etudes en France.

1985 – Lauréat de la Fondation de France pour ses recherches sur l’émail, suivi d’un voyage de travail de six mois au Japon.

1993 – Grand Prix Départemental des Métiers d’Art.

1993 – Prix du Conseil Régional.

2007 – Publication du livre : « Pour un Charles Hair, notes, voyages, rêveries » de Michel Cegarra aux éditions Revue de la Céramique et du Verre.

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Peinture
Simsa

Patricia Simsa est une artiste pluridisciplinaire qui ne concentre pas ses recherches autour d'un seul médium, elle pratique dans un premier temps la sculpture avant de se tourner principalement vers la peinture.

Les toiles, extravagantes et joyeuses, de Patricia Simsa sont autant d'invitations à pénétrer son monde plein d'humour et d'amour. Son motif favori reste les femmes, ou plus particulièrement l'image de la Femme. Les œuvres de Patricia Simsa intriguent, amusent, évoquent toujours une atmosphère complice entre le spectateur et les personnages.

Les couleurs sont vives, les traits épais, mais le rendu reste toujours très poétique et il met en exergue tout la minutie et l'harmonie du travail de l'artiste qui ne laisse rien au hasard.

Patricia Simsa est une artiste autodidacte, aujourd'hui, et depuis sa première exposition personnelle en 1992, de nombreuses expositions en Europe nous permettent d'apprécier son travail.

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Céramique
Patricia Widmer

Après une carrière comme styliste modéliste, Patricia a choisi de se consacrer à sa passion et s’est lancée dans la création de "Bulles" en céramique.

Elles sont de différentes tailles, de différentes teintes, ornées de points ou non, mais elles sont toujours rondes, rondes comme la terre, la lune, les bulles de savon...

Chaque Bulle est unique et merveilleuse, comme chacun de nous. Par sa rondeur et sa simplicité elle invite à la douceur et à la rêverie.

La nature est sa principale source d’inspiration , sa beauté, sa force, sa douceur, son intelligence la guide sur son chemin.

Les Bulles sont façonnées à la main avec la technique des colombins (boudins de terre assemblés puis lissés).

Chaque Bulle est unique de par sa forme mais également de par sa finition qu’est la technique de la terre sigillée (engobe fait des plus fines particules -de la taille du micron ou inférieur- d’un argile ) qui donne cet aspect satiné et de l’enfumage qui s’en suit : la pièce est chauffée à 750 degrés dans un four au gaz, puis sortie et placée dans des copeaux de bois. Les copeaux s’enflamment et donnent la couleur à la pièce

Patricia crée aussi de la vaisselle qu’elle travaille par coulage ( grès ou porcelaine liquide ) dans des moules en plâtre qu’elle crée en partie elle-même.

Elle s’est formée à l’académie des Beaux Art de Boitsfort/ Bruxelles et a suivi différentes Masterclass (Terre sigilée avec Dalloun, moules en plâtres, émaux …)

« Au travers de mon travail j'espère offrir aux gens une pause dans le tourbillon de la vie. Lorsqu'ils regardent mes Bulles ou utilisent ma vaisselle c'est une invitation à se poser, se laisser aller à la douceur et à la rêverie.

Je ne donne volontairement pas de nom à mes pièces pour que les personnes puissent s'y projeter, qu'elles y voient ce qui leur parle, ce qu'elles imaginent, qu'elles ne soient pas influencées par un titre et pour qu'elles puissent les nommer comme elles le souhaitent. »

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Céramique
Nouche

Nouche a découvert la terre voici plus de 30 ans. Passionnée par le tournage, elle a commencé comme tous les potiers par la réalisation d'objets utilitaires. Très vite elle s'est dirigée vers la sculpture et a testé différentes cuissons : faïence, grès...

Puis a découvert la cuisson à RAKU, technique japonaise du XVIème siècle utilisée pour la réalisation de bols lors de la cérémonie du thé. Elle a pratiqué cette technique durant une quinzaine d'années étant une des premières à introduire la couleur dans ses réalisations, réalisée au départ d'oxydes de métaux et de pigments.

Par la suite elle fut à la base d'une nouvelle génération de céramistes utilisant cette technique de cuisson, les émaux étant maintenant disponibles dans le commerce.

Très influencée par ses voyages en Amérique du Sud, en Asie et même en Europe sa sculpture était primitive puis organique.

Depuis 3 ans à la suite d¹un voyage au Viêt-Nam, et plus précisément en descendant du Nord au Sud du pays en passant par le col des nuages, elle se dirige vers des formes plus épurées basées sur des nuances de blancs, des créations inspirant la quiétude, le bien-être.

Cette démarche lui fit abandonner momentanément le RAKU pour de nouvelles techniques à la fois plus personnelles et plus élaborées nécessitant de nombreuses cuissons entrecoupées de polissages, de gravures, d¹émaillages, d'enfumages...

« L'atelier de poterie n'est pas un lieu de contemplation mais un centre de confrontation aux confins des quatre éléments. J'ai fait de cet artisanat ma passion, ma raison d'être.

Après de nombreuses années de fidélité au métier, c'est toujours avec le même plaisir, la même jouissance pourrait-on dire, que je plonge mes mains dans la terre faisant surgir de mes doigts les parois montantes d'un objet dont je suis la seule à visualiser la forme finale.

J'ai fait du travail de la terre un art contemporain où la recherche de forme et d'équilibre esthétique est omniprésente.

La sculpture est une recherche intérieure, une quête de l'essentiel, une communion.

Pour paraphraser Anatole FRANCE, j'ai toujours préféré la folie de la passion à la sagesse de la raison. »

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Sculpture
Karen

Karen, après avoir exercé le métier de psychothérapeute, et s’être formée, à la sculpture et à la peinture, a décidé de se consacrer entièrement à la sculpture et la peinture il y a 20 ans.

« Depuis mes débuts en tant qu'artiste, je ne cesse de chercher l'émotion qui nous habite. L'homme est au centre de ma recherche, depuis toujours, au travers de ma formation de psychothérapeute et aujourd'hui d'artiste. L'être intérieur, ses doutes, ses pulsions de vie, ces bulles de bonheur qui s'expriment à travers ses attitudes sont autant d'instants saisis et traduits dans mes oeuvres. »

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Photographie
Christian Laurent

Attiré par les belles images depuis sa tendre enfance, Christian LAURENT combine depuis près de 10 ans ses activités dans la réalisation de peintures animalières et de photographies d’art en prenant comme défi commun de faire ressortir les émotions vers le spectateur…tout un programme !

Photographe averti, sagace et discret, cet ingénieur belge recourt à son Reflex à chaque occasion

lors de ses voyages aux quatre coins du monde.

Non seulement pour photographier et capter les émotions des animaux qu’il rencontre dans ses

différents périples, mais de plus en plus aussi pour nous partager les paysages somptueux dans lequel

ces animaux évoluent.

Son maître-mot est « émotion…tant par les émotions qu’il vit et capte sur le terrain que dans les

émotions qu’il nous propose lors de ses nombreuses expositions.

Avec sa dernière collection « Colors of Wildlife », Christian évolue également de la photo noir & blanc vers des photos plus colorées & artistiques qui mettent une nouvelle fois les animaux en évidence pour nous partager un autre regard, de nouvelles émotions, uniques et toujours authentiques.

De plus en plus présent dans des collections privées nationales et internationales, et exposé tant en Europe qu’aux Etats-Unis ; son bestiaire photographique a pour couleur fondamentale l’émotion & la passion animale.

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Sculpture
Bruno Guihéneuf

Bruno vit et travaille en Bretagne.

Une enfance sous les influences croisées de la nature, la campagne, les marais et la mer, d'un grand-père peintre et d'un père voyageur, des chantiers navals et des carrières de granit.

"Mes premiers bas-reliefs, en 1989, sont issus directement de découpages de peintures, morceaux de toile colorés réorganisés au centre d’une armature de bois par des tensions de cordages et de poids de pierres.

Le lien aux éléments toujours côtoyés était comme une évidence à laquelle on ne peut échapper, pour ouvrir la voie à des volumes plus amples et à l’exploration des matériaux.

Pendant 20 ans, bois, pierre, métal sont assemblés entre eux pour des dialogues intimes. Le Land Art est aussi très présent, lors voyages ou de résidences . Ce lien à la nature se complète de la fréquentation impressionnante des carrières de pierre ou des chantiers navals.

De ce double regard, organique et industriel, vont émerger des sculptures qui assument nos contradictions entre l’archaïque et notre aujourd’hui, qui relient des influences apparemment opposées dans la quête d’un substrat commun intemporel.

L’Ego se tient en équilibre avec l’expressivité forte de ces matériaux, souvent glanés. Je considère alors mes créations comme un travail de passeur, qui restitue en toute humilité, qui livre au regard ce qui lui est passé entre les mains.

Depuis 2010, d’abord par l’affirmation des traces de travail dans la pierre, va naître une famille de nouvelles sculptures, les FLUX, caractérisée par des graphismes dynamiques. Si la forme explore les nuances et les variations de ces mouvements, perceptibles partout, c’est une réflexion plus profonde qui nourrit cette recherche : notre situation d’humains dans l’impermanence de toute chose, la conscience que nos vies sont des éléments d’une dynamique globale de l’univers."

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Peinture
Catherine Tartanac

Issue d’une famille d’artistes : ébénistes, musiciens, peintres, Catherine dessine et peint depuis son enfance.

Son médium favori est l’huile, qu’elle trouve si sensuelle, difficile, lente, travaillée sur de la toile souvent de grand format. Elle dessine beaucoup de petites séries, (plomb, fusain, pierre, ou encres ) d’après la nature : végétaux, horizons, montagnes, rochers, mer… mais aussi d’après des fresques ou tableaux mythologiques, bibliques aimés, ou imaginés, d’un souvenir, centrés sur le corps et la figure humaine.

Catherine explore et collectionne les effets produits, mouvements, lignes de fuite, perspective, n’en garde souvent que la trace . Alors s’impose un projet imaginaire dont elle ne connait jamais l’issue par avance.

La lumière et les couleurs font surgir des formes.

Elle est passée peu à peu de paysages encore figuratifs à des propositions de plus en plus abstraites. Depuis peu elle explore la peinture sur papier qu’elle maroufle sur de la toile, sont nées alors dans cette veine des visions de jardins de couleurs, des géants aux pieds évanescents, pour dire un peu de ces racines du monde.

« Depuis longtemps, à partir du blanc de la toile ou de la page, je pose mes sentiments, mes sensations et mes pensées sans jamais essayer de les trier ou de les classer. Pas de désir d'esthétique ou de séduction mais simplement l’élan vital. »

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Peinture
LilyB

Juriste-fiscaliste de formation j’ai toujours été attirée par l’art et d’un point de vue architectural, j’apprécie particulièrement l’architecture contemporaine et épurée.

Elève à l’académie de Vilvorde depuis 2017, je prends beaucoup de plaisir à peindre. Mon choix se porte sur la peinture abstraite. Je débute mon travail par le choix d’un paysage auquel je donne une interprétation personnelle, celle-ci se veut spontanée et le choix des couleurs - que j’essaie d’harmoniser au mieux – est liée à l’émotion du moment. Je m’inspire du mouvement artistique de l’expressionisme abstrait ou abstraction lyrique.

Dans mon atelier, j’ai développé depuis 2014 mon propre modèle d’art, un art géométrique, en 3D qui se veut coloré mais sobre, toujours joyeux. Je recherche l’harmonie entre les formes et les couleurs. Parfois je crée une impression de mouvement et j’introduis la perspective. Les éléments récurrents sont le bois, la toile et le plexi qui recouvre délicatement le tout.

Si au début mes tableaux étaient plutôt figuratifs, j’ai rapidement opté pour une expression totalement abstraite. L’abstraction me donne, en effet, la liberté d’exprimer mes sentiments et émotions et chacun peut y découvrir des formes ou y donner un sens propre en fonction de son imagination mais aussi en fonction de l’angle sous lequel il observe le tableau. Selon l’angle, la perception du tableau varie et celle-ci est encore accentuée par les ombres formées en fonction de l’éclairage.

Cette géométrie m’oblige à travailler méticuleusement. Cette caractéristique me correspond et me rend heureuse chaque fois que je termine un tableau.

Je m’inspire tant d’artistes comme Vasarely et Frank Stella que de mouvements artistiques comme l’abstraction géométrique. Etant rarement à court d’imagination, mes tableaux sont en constante évolution au niveau du style, mais l’usage du bois, les couleurs et le plexi sont mon fil conducteur.

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Bois
Agnès K

"Ayant pas mal voyagé et toujours créé avec mes mains depuis mon plus jeune âge, c’est vers une formation artistique que je me suis naturellement tournée.

Après une formation d’architecte DPLG et quelques temps d’expérience, le besoin de créer de mes mains s’est vraiment fait ressentir et c’est vers la création d’encadrements de tableaux originaux, de pièces uniques, que je me suis tournée. Je crée un travail de mise en valeur des œuvres, où les textures, les formes, les volumes, les perspectives, les matériaux et les couleurs sont au service de l’œuvre encadrée.

Cette recherche artistique m’a permis d’explorer de nombreux procédés, d’expérimenter différents univers, peinture, sculpture, collages et autres au travers de mes créations.

Au fil du temps la passion pour le matériau de base que j’utilise est devenue de plus en plus forte et aujourd’hui c’est avec bonheur que je sculpte et tourne le bois.

Forte de ces années d’expériences et de mes formations régulières dans de nombreux domaines, cela me permet de créer des œuvres originales, alliant savoir-faire et créativité."

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Photographie
NPIER

L'artiste français NPier photographie des lieux où le temps semble s'être arrêté. Inspirées de ses voyages, les œuvres sont une découverte d'architectures abandonnées, explorant des structures à travers l'immobilité et le délabrement. NPier croit en la beauté de la décomposition car elle met en lumière la fragilité et la vulnérabilité de la vie.

Il cherche toujours des lieux qui semblent ancrés dans une réalité différente de notre quotidien actuel. Dans ses tableaux, la lumière, la composition complexe et les textures de l'intérieur représentent un souvenir de la splendeur oubliée. Cette approche considère délibérément l'expérience vécue d'un bâtiment - ses souvenirs, ses ombres et son énergie : ce qui est laissé pour compte. La photographie capture un moment parfait d'immobilité dans le flux perpétuel du temps.

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Sculpture
Manuela Papeians

Architecte diplômée de l’ISA Saint-Luc à Bruxelles, j’ai exercé mon métier durant quelques années dans différents bureaux bruxellois avant de de m’expatrier dès le début des années 1990, d’abord à Boston, puis à Barranquilla (Colombie) et finalement à Paris. En tout, j’ai quitté la Belgique pendant plus de dix ans. A mon retour, j’ai repris une activité d’architecte, mais cette fois avec une fonction sociale d’aide à des populations fragilisées.

Le dessin, le modelage, la sculpture ont toujours fait partie de mon monde : « j’avais cela en moi depuis toujours ». Les circonstances sont d’abord contraires mais mon envie persiste et c’est finalement en 2010, que mes mains se sont plongées dans la terre. Tout d’abord à l’Atelier de la Ligne d’Horizon, ensuite à l’Ecole des Arts de Braine-l’Alleud et enfin à l’Atelier du Dieweg

Je travaille la terre, j’aime son contact, faire émerger la forme de la masse. J’aime sa souplesse, j’aime la façonner et voir que parfois elle se dérobe. Assez rapidement, j’en suis venue à faire couler certaines œuvres en bronze.

« Mes mains essaient d’exprimer les émotions qui se cachent dans la profondeur de mon cœur. Parfois je songe, parfois je danse, parfois je saute de joie, … parfois je pense, parfois je rêve, … J’essaie d’exprimer du bon et du beau, tel un baume pour panser les peines de ce monde ou pour rappeler le beau et le bon de ce monde ? Juste faire plaisir et se faire plaisir … »

“Manuela Papeians est non seulement une sculptrice figurative mais elle est surtout une sculptrice de l’humain, de la joie, de l’allégresse, de l’émotion … Pourrait-on dire une sculptrice de la féminité et de la générosité.” Adornes Domein

« La joie est le fond de l’être, le fond d’or que recouvrent le plus souvent nos sentiments passagers. » Jacqueline Kelen

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Sculpture
Jean-Luc Proust

A la fois sculpture et peinture, un Mobile est un objet poétique.

Poésie du mouvement, du jeu des formes, des lignes et de la couleur.

Sans cesse en transformation, un Mobile crée un espace dans l'espace, comme une effraction, une vie là où on ne l'attendait pas.

Parfois, le mouvement se fait plus ample, plus rapide.

Parfois, d'un souffle, le spectateur va prendre part à l'oeuvre, impulser lui-même le mouvement.

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Sculpture
Séverine Bugna

Séverine Bugna est une artiste peintre franc-comtoise elle est autodidacte et son parcours a débuté avec des sujets figuratifs tout en sachant que le maître mot de ses oeuvres deviendrait la création.

Elle a exposé en France dans divers salons où elle a pu être récompensée et également au Salon des Artistes Français au Grand Palais en novembre 2010.

Elle a exposé aussi à l'étranger comme en Allemagne, en Suisse dans des salons de designers.

Son travail a été récompensé par une cotation à Drouot en janvier 2012.

La couleur est le point de départ de son travail elle traite de la perception et de l'émotion et non de la réalité qu'elle fuit. Elle efface le sujet pour essayer de toucher la sensibilité de chacun. Séverine ne s'arrête pas à un support châssis et toile elle aime les défis elle a créée les décors d'une pièce de théâtre franco-suisse. A l'automne 2013 elle réhabilite artistiquement un orgue à l'église St Paul de Nice. Ses supports de création sont des pièces de puzzles... des meubles tels que des chaises et autres objets en résine.

L'Art est infini souligne-t-elle.

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Sculpture
Corinne Vue

Corinne VUE est née en Normandie, elle vit et travaille maintenant dans le sud de la France.

Son atelier-galerie est situé à Cotignac, dans le Var.

"Au travers de la sculpture et de la peinture, je cherche à exprimer mon amour de la sensualité féminine et de l’harmonie des courbes.

A mes différentes techniques : bronzes, pâtes de cristal, etc, j’ai ajouté le RAKU, qui m’apporte de nouveaux horizons, infinis."

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Peinture
Véronique Fièvre

Inspirée par Paul Klee, Véronique peint tout d’abord sur bois dans un style plutôt structuré, puis, influencée par les oeuvres de Nicolas de Staël, elle s’exprime à travers des lignes épurées qui apportent calme et stabilité à ses toiles.

L’environnement, l’immensité des espaces représentent sa première source d’inspiration. Elle y puise ses émotions, elle “ressent le monde”.

Telle une respiration, elle alterne le besoin d’intérioriser et celui de “manifester”, ce qui explique la diversité de son travail.

Dans ses abstractions vivantes et colorées, les formes sont simples, dépouillées de leur côté anecdotique et créent une composition sobre et forte. Plus besoin de prétexte figuratif, l’action de peindre devient instinctive, elle relie l’homme à l’universel.

Elle ne néglige ni la couleur, ni la matière qui est importante dans ses toiles . L’artiste la maçonne, la triture, la blesse, la rendant tantôt fluide, tantôt épaisse. Elle recouvre, laissant parfois émerger les couleurs enfouies .

“Quand la couleur est à sa puissance, la forme est à sa plénitude” disait Cézanne. Véronique Fièvre connaît le langage des couleurs.

Elle habite et travaille près de Tours. Elle participe à de nombreux salons et expositions, en France comme à l’étranger.

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Peinture
Akaa

Catherine (Akaa est son nom d’artiste) développe très tôt un goût prononcé pour l’art sous toutes ses formes. Dès son plus jeune âge c’est l’écriture qui avait toutes ses faveurs, plus tard elle a illustré ses écrits par le dessin, puis la peinture. Elle se défini comme peintre coloriste avant tout, son inspiration vient de l’observation et d’une réflexion du monde, de la nature, de l’humain, des émotions, des ressentis.

Autodidacte, elle a découvert au fil des années l’aquarelle, la gouache, la peinture à l’huile, l’acrylique, les encres, les pastels etc…

« La peinture s’est imposée à moi comme un moyen d’expression pour établir une rencontre avec mes mondes intérieurs.

Peintre intuitive, spontanée, colorée, je ne me cristallise pas dans une catégorie définie…de l’abstrait, au figuratif, du minimalisme à la figuration libre, … je peins au gré de mon inspiration ….

La peinture est pour moi un élan vital, un souffle, une respiration »

Akaa

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Sculpture
Véronique Chambert

"Originaire de la région toulousaine, j'ai découvert la sculpture dans un atelier à Puerto La Cruz au Vénézuéla.

J'éprouve un immense plaisir à planter mes doigts dans la terre pour faire naître mes personnages. Je joue sur les proportions de leur corps pour exacerber leur sensualité. J'aime mettre en scène des femmes aux formes généreuses, revendicatrices d'une féminité sans complexes qui transgressent les codes de la beauté.

C'est un hymne à la femme, un clin d'oeil à la beauté et un coup de pied aux préjugés."

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Gravure
Charlotte Reine

Charlotte vit à Paris et en Dordogne.

Elle se consacre depuis quelques années, à l'étude subjective du monde animal, et des objets qui leurs sont indispensables.

Animée par aucun souci de vraisemblance, elle travaille sans véritable méthode. La chance lui a cependant fait faire quelques découvertes étonnantes qu’elle illustre par des peintures et des gravures.

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Sculpture
Remou

REMOU, voici un nom qui colle parfaitement à l'expérience vécue ces derniers temps par le tourangeau Jean-Claude MOURÉ. La maxime : "On est la somme des gens qu'on a rencontrés", a conduit cet amoureux invétéré de l'art et grand collectionneur, à franchir le pas qui le séparait de la création et, pour la première fois, à présenter ses œuvres dans une exposition.

Ses sculptures sont nées d'une envie de mettre un peu de couleur dans son jardin et, très vite, l'artiste s'est pris au jeu. Jouer, c'est bien cette volonté qui anime le travail du sculpteur. Nous sommes tentés de monter à l'assaut de ces grands mobiles aux lignes droites dont les couleurs nous rappellent nos premières expériences picturales, lorsqu'on terminait barbouillé de couleurs primaires. De même, on se retient pour ne pas grimper sur le dos de ces animaux étranges, origamis de métal qui réveillent le souvenir des cocottes en papier et des avions pliés qu'on se lançait à travers la classe.

Comme des machines à remonter le temps, les œuvres de REMOU nous replongent dans l'insouciance de notre enfance et, le temps d'un moment, ravivent la suave odeur des vacances ou celle, plus douce encore, de l'école buissonnière.

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Luminaire
Agnès Bourayne

Les luminaires conçus et fabriqués par Agnès Bourayne sont façonnés à partir de papier kraft recyclé.

Un travail de mise en couleur de ce papier est réalisé, or ou argent afin de refléter la lumière. Ensuite la découpe donne corps aux losanges qui sont la marque de fabrique d’Agnès Bourayne.

Ils sont collés et assemblés un à un selon une technique mise au point au fil des années.

Après le collage de plusieurs couches de papier et le séchage durant plusieurs jours, il est tant de réaliser les finitions avant de pouvoir admirer ces luminaires à la lumière si chaude et si particulière.

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Peinture
Isabelle Pagni

Isabelle est une peintre coloriste vivant à Six-Four, dans le Var. Elle travaille beaucoup avec des encres sur papier.

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Peinture
Isabelle Dequenne

Autodidacte, Isabelle aime la spontanéité ! Au fil des années elle a tout testé, les gouaches, les peintures à l'eau, qui l’attirent tout particulièrement pour les fondus de couleurs, les peintures à l’huile et aujourd’hui l'acrylique riche de ses gloss et ses couleurs vives et fluo. « Cette matière m'invite à mieux m'exprimer et me libérer ! Et surtout, je ne touche plus à un pinceau, je ne peins qu'avec des cartes de crédit (influence de mon métier de banquière? ) c'est parfait comme format, comme souplesse, il y a les faces plates et surtout les angles, je m'éclate! «

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Céramique
Caroline Paul

Après obtention d’un certificat de décorateur-étalagiste en France, Caroline part au Canada pour étudier la céramique.

Enseignante en technique Raku, employée de la célèbre céramiste Pascale Girardin et présidente du collectif « Métiers d’Art Métissés », Caroline revient en France et créée son entreprise individuelle de céramique artisanale dans le centre d’une charmante ville provençale, Pertuis.

Représentante de l’association de potiers Terres de provence auprès du Collectif National des Céramistes, Caroline se concentre aujourd’hui sur l’expérimentation et le développement de ses collections de produits. Elle continue d’enseigner par passion au musée des faïences de la Tour d’Aigues.

« Les Esprits Ouverts, ces sympathiques petits personnages sont l’expression d’une humeur, d’une émotion du moment. Ils sont tous différents et uniques, ils ont leurs caractères et leurs particularités. »

Ces figurines de grès modelées à la main, pièces phares de Caroline Paul, sont le résultat d’une inspiration du moment. Destinés à être offert, à soi ou à une connaissance, ils sont porteurs d’un message reçu par le fruit du hasard. Leur charmantes têtes sont le réceptacle de ces citations sélectionnées par l’artisan et précautionneusement enroulées.

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Céramique
Lisa Rousseau

Depuis toujours passionnée de dessin et de peinture, c'est lors de sa formation en DMA Fresque/Mosaïque à l'ENSAAMA que Lisa Rousseau découvre son amour pour la matière et le geste artisanal.

Constamment à la recherche de nouvelles expérimentations, elle enrichit ses pratiques plastiques et techniques pendant ses deux années de DSAA, se façonnant ainsi un style personnel.

La sobriété, les paysages intérieurs et l'art du "presque rien" sont les principaux concepts qui guident ses créations.

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Peinture
Sylvie Gillon

Scientifique de formation, la rigueur acquise durant mes études est sans cesse bousculée par les émotions que je laisse s’exprimer depuis quelques années à travers un médium qui s’est imposé entre tous : l’Aquarelle !

Au départ assez figuratives, mes aquarelles sont aujourd'hui plus abstraites.

Ma curiosité naturelle m’entraîne vers différents supports, sur lesquels se conjuguent effets de matières et de transparence : paradoxal à l’aquarelle !

Pour cela j’inclus parfois des pigments en poudre, des encres, des fragments d’étoffe à la trame apparente…je gomme les frontières entre la sage aquarelle et d’autres techniques auxquelles je m’adonne aussi en privilégiant toujours l’aspect expérimental …

Figuratif ou abstrait, c'est toujours le sujet qui me choisit...

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Sculpture
Edith Dujardin

En 1998, Edith Dujardin-Rouxel vit en Indonésie ; une amie sculpteur l'initie au modelage de la terre.

C'est une révélation.

A son retour en France, en 2002, elle s'inscrit à des cours de sculpture.

La plus grande partie de son temps sera désormais consacrée à l'apprentissage et au développement de cette passion.

Pour commencer, Edith apprend les bases (le nu d'après modèles, le plâtre direct, la cire, les patines et toutes les techniques classiques) chez un sculpteur puis à l'atelier des Beaux-Arts de la ville de Paris.

… Peu à peu elle se perfectionne et un style personnel se dessine.

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Peinture
Gil KD

GIL KD est une artiste autodidacte française.

Son parcours d’artiste a débuté auprès de son grand père, dessinateur et sa vie de jeune adulte à été bercée par l’influence urbaine, les année 80 où, vivant à Paris, elle fait ses premières expériences dans la rue, avec ses bombes aérosol.

A travers son parcours, de créations, d’expositions et de performances artistiques, Gil KD a su trouver sa place et son style.

L’artiste aime multiplier les risques en variant ses supports…elle passe tour à tour de l’aluminium blanc inox ou miroir, au bois, aux meubles jusqu’aux murs ou containers qu’on lui propose.

Sa technique est bien souvent mixte mêlant, peinture aérosol et acrylique, collages d’affiches collectées dans la rue et matériaux de récupération, son dessin explore l’esthétisme contemporain afin de faire éclater la beauté et la force du féminin.

Dans son univers intense ; passion, sensualité, douceur, douleur, blessures et combats se mêlent et se démêlent tour à tour.

Pour elle, la création est un langage mais également un vecteur d’émotions. Les matériaux choisis et exploités sont à la fois l’expression d’une durée et le témoignage d’une mémoire ou d’un souvenir. …

Son travail se décline aujourd’hui en intérieur comme en extérieur et mêle la force de la rue à la délicatesse de la femme.

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