Le Cactus Bleu

Après une carrière comme styliste modéliste, Patricia a choisi de se consacrer à sa passion et s’est lancée dans la création de "Bulles" en céramique.

Elles sont de différentes tailles, de différentes teintes, ornées de points ou non, mais elles sont toujours rondes, rondes comme la terre, la lune, les bulles de savon...

Chaque Bulle est unique et merveilleuse, comme chacun de nous. Par sa rondeur et sa simplicité elle invite à la douceur et à la rêverie.

La nature est sa principale source d’inspiration , sa beauté, sa force, sa douceur, son intelligence la guide sur son chemin.

Les Bulles sont façonnées à la main avec la technique des colombins (boudins de terre assemblés puis lissés).

Chaque Bulle est unique de par sa forme mais également de par sa finition qu’est la technique de la terre sigillée (engobe fait des plus fines particules -de la taille du micron ou inférieur- d’un argile ) qui donne cet aspect satiné et de l’enfumage qui s’en suit : la pièce est chauffée à 750 degrés dans un four au gaz, puis sortie et placée dans des copeaux de bois. Les copeaux s’enflamment et donnent la couleur à la pièce

Patricia crée aussi de la vaisselle qu’elle travaille par coulage ( grès ou porcelaine liquide ) dans des moules en plâtre qu’elle crée en partie elle-même.

Elle s’est formée à l’académie des Beaux Art de Boitsfort/ Bruxelles et a suivi différentes Masterclass (Terre sigilée avec Dalloun, moules en plâtres, émaux …)

« Au travers de mon travail j'espère offrir aux gens une pause dans le tourbillon de la vie. Lorsqu'ils regardent mes Bulles ou utilisent ma vaisselle c'est une invitation à se poser, se laisser aller à la douceur et à la rêverie.

Je ne donne volontairement pas de nom à mes pièces pour que les personnes puissent s'y projeter, qu'elles y voient ce qui leur parle, ce qu'elles imaginent, qu'elles ne soient pas influencées par un titre et pour qu'elles puissent les nommer comme elles le souhaitent. »

Nouche a découvert la terre voici plus de 30 ans. Passionnée par le tournage, elle a commencé comme tous les potiers par la réalisation d'objets utilitaires. Très vite elle s'est dirigée vers la sculpture et a testé différentes cuissons : faïence, grès...

Puis a découvert la cuisson à RAKU, technique japonaise du XVIème siècle utilisée pour la réalisation de bols lors de la cérémonie du thé. Elle a pratiqué cette technique durant une quinzaine d'années étant une des premières à introduire la couleur dans ses réalisations, réalisée au départ d'oxydes de métaux et de pigments.

Par la suite elle fut à la base d'une nouvelle génération de céramistes utilisant cette technique de cuisson, les émaux étant maintenant disponibles dans le commerce.

Très influencée par ses voyages en Amérique du Sud, en Asie et même en Europe sa sculpture était primitive puis organique.

Depuis 3 ans à la suite d¹un voyage au Viêt-Nam, et plus précisément en descendant du Nord au Sud du pays en passant par le col des nuages, elle se dirige vers des formes plus épurées basées sur des nuances de blancs, des créations inspirant la quiétude, le bien-être.

Cette démarche lui fit abandonner momentanément le RAKU pour de nouvelles techniques à la fois plus personnelles et plus élaborées nécessitant de nombreuses cuissons entrecoupées de polissages, de gravures, d¹émaillages, d'enfumages...

« L'atelier de poterie n'est pas un lieu de contemplation mais un centre de confrontation aux confins des quatre éléments. J'ai fait de cet artisanat ma passion, ma raison d'être.

Après de nombreuses années de fidélité au métier, c'est toujours avec le même plaisir, la même jouissance pourrait-on dire, que je plonge mes mains dans la terre faisant surgir de mes doigts les parois montantes d'un objet dont je suis la seule à visualiser la forme finale.

J'ai fait du travail de la terre un art contemporain où la recherche de forme et d'équilibre esthétique est omniprésente.

La sculpture est une recherche intérieure, une quête de l'essentiel, une communion.

Pour paraphraser Anatole FRANCE, j'ai toujours préféré la folie de la passion à la sagesse de la raison. »

Pour Sylvie l'inspiration pour la peinture a commencé très tôt, dès la maternelle. Admirative du don de son grand-père pour le dessin, elle passait des heures à regarder son travail avec amour. Dès qu’elle a pu s'inscrire dans les ateliers des Beaux Arts, Sylvie a commencé à se réaliser et à vivre sa passion pleinement.

Pénétrer l'univers de Sylvie Garibaldi, c'est s'abandonner à une rêverie colorée pleine de promesses... Peinture abstraite flirtant avec un figuratif suggéré, l'oeuvre de l'artiste peintre a su se défaire d'une apparence classique pour se métamorphoser en une expression pleine de sensibilité...

Pour Sylvie, peindre c'est "s'évader, partager...". Elle nous emporte dans un jaillissement de couleurs et de mouvements pour nous faire partager sa passion ! Sylvie est une créatrice à l'écoute de "l'autre" qui n'a de cesse d'instaurer un dialogue passionné entre son "moi" et le public. Puissante et exigeante, la peinture de Sylvie colle au plus près d'une réalité transfigurée par son regard ... C'est l'émotion signifiée...

« La peinture me donne un sentiment de liberté, d'émotion, d'évasion et me procure un immense plaisir personnel. Ce qui me touche le plus c'est surtout le regard des autres devant mes toiles, chacun accueille le tableau en fonction de sa sensibilité et laisse libre cours à son imagination. Ces moments sont pour moi uniques et magnifiques. »